Broadway, baby

Rent Filmed Live on Broadway

Je n'ai jamais vu Rent sur scène. J'attendais donc cette version dvd de la dernière sur Broadway avec impatience. Je n'ai pas été déçu. L'œuvre est remarquablement bien construite. Le cast s'en sort globalement bien. Des interprètes originaux, il ne reste que deux rôles secondaires, dont l'un (Rodney Hicks) incarne désormais Benny. Beaucoup des comédiens semblent avoir été choisis pour leur ressemblance avec leurs illustres prédécesseurs, à l'image d'Eden Espinosa, la Maureen, qui ressemble énormément à Idina Menzel. Dommage, c'est quand ils deviennent un peu plus perso qu'ils deviennent vraiment touchants, à l'image de Will Chase, le Roger. A noter que Tracie Thoms reprend le rôle de Joanne, qu'elle tenait dans le film. La mort d'Angel est toujours aussi déchirante. Justin Johnston, s'en sort aussi très bien, même s'il n'a pas la beauté spectaculaire de Wilson Jermaine Heredia. Et le passage Life Support, la première fois que l'on entend le thème No day but today, me procure toujours autant de frissons. 

Rétrospectivement, je suis encore plus déçu par le film. Sans doute était-il difficile de tirer une histoire linéaire de cette oeuvre profondément faite pour la scène...

The Pajama Game

The Pajama Game (Pique-nique en pyjama, en français). 1957. Réalisé par George Abbott et Stanley Donen. Avec Doris Day, John Raitt, Carol Haney. Adaptation de la  comédie musicale du même nom sur Broadway.

Sur Broadway, The Pajama Game est célèbre pour avoir lancé la carrière de Shirley MacLaine. Celle-ci n'était qu'une débutante, qui remplaçait Carol Haney. Lorsque cette dernière s'est blessée, MacLaine l'a remplacée au pied levé et a fait immédiatement sensation. Carol Haney a malgré tout gardé son rôle pour l'adaptation au cinéma.

Autre fait célèbre à propos de cette comédie musicale, la chorégraphie de Bob Fosse, et tout particulièrement celle du numéro Steam Heat, justement chanté/dansé par le personnage interprété par Carol Haney / Shirley MacLaine. Du pur Fosse.

Ceci mis à part, The Pajama Game, dans sa version cinéma, ne casse pas trois pattes à un canard.

L'histoire n'est guère excitante. Une usine de confection de pyjamas est en plein conflit social. Les ouvrières, emmenées entre autres par Doris Day, responsable du bureau des plaintes, réclament une augmentation de 7 cents et demi par heure. Le patron refuse obstinément. C'est dans ce climat qu'est nommé un nouveau directeur, interprété par John Raitt (qui créa le rôle de Billy Bigelow dans Carousel). Entre le nouveau directeur et la chef du bureau des plaintes, le coup de foudre est quasi immédiat. Mais leur amour va-t-il résister au conflit social ?

La musique et les paroles, de Richard Adler et Jerry Ross, ne sont pas vraiment inoubliables. Ce qui est légèrement problématique lorsque l'intrigue n'est finalement que le prétexte à une série du numéros. Ce n'est pas vraiment mauvais, c'est juste un peu niais.

Mais le plus gênant, c'est ce puritanisme américain, typique des films des années 50, qui pollue complètement l'histoire et ses protagonistes. Les hommes, les femmes, les beaux, les moches, les vieux, les jeunes, tous ont un rôle social bien défini. Seule Doris Day parvient, de temps à autre, à donner un tant soit peu de profondeur à son personnage. On souffre pour la pauvre Carol Haney à qui on a manifestement attribué un rôle de débile légère. Le pseudo couple qu'elle est censée former avec le chef d'atelier gâteux est tellement peu crédible qu'on se demande si lui aussi ne souffre pas d'un grave problème mental et si c'est le cas, en quoi c'est censé être drôle.

Bref. N'ayant jamais vu Pajama Game sur scène, je ne voudrais pas porter de jugement trop définitif. Après tout, ce ne serait pas la première comédie musicale mal adaptée au cinéma.

Ci-dessous, Steam Heat :

Sourires d'une nuit d'été

C'est le film qui a inspiré A little Night Music, de Sondheim. Sourires d'une nuit d'été a été réalisé par Ingmar Bergman en 1965. Ceux qui attachent une image trop intello à Bergman en seront pour leur frais. Il s'agit, comme le générique l'indique d'une "comédie romantique" et c'est une merveille de légèreté.

La trame et les personnages du musical de Sondheim sont tous là, Fredrik Egerman et sa jeune épouse, encore vierge, Anne, son ancienne maîtresse Désirée Armfeldt, le bête et méchant Comte Malcolm et sa femme, fière et blessée. Et bien sûr le dépressif Henrik, fils de Fredrik et l'épicurienne Petra, la bonne des  Egerman.

Même si le film n'a pas besoin de ça, le miroir que lui tend l'oeuvre de Sondheim - où l'on trouve sa plus célèbre chanson, Send in the clowns - rend son visionnage encore plus passionnant. Mais l'effet miroir joue dans les deux sens. Si le livret est globalement très fidèle à l'oeuvre, les chansons de Sondheim lui apporte sans conteste une dimension supplémentaire.

Le simple fait que toute la partition soit composée en 3/4 temps contribue grandement à l'ambiance de l'adaptation : tout ceci n'est qu'une grande valse. Ceci mis à part, la trouvaille qui permet au musical de se décoller du film, c'est celle du choeur grec, ici habillé en tenue de bal. Il est donc ici pour commenter l'action, souligner les liens entre Fredrik et Desirée (Remember) ou mettre la Comtesse Malcom face à ses contradictions (brève reprise d'Everyday a little death).

Pour le reste, le livret et les chansons plus illustratives se montrent très fidèles au film de Bergman tout en rajoutant des petits éléments qui donnent un peu plus de saveur à l'histoire, telles les chansons de Madame Armfeldt (Liaisons) ou Petra, la bonne, qui célèbre "everything that passes by" dans The Miller's son.

A noter qu'il y a des chansons dans Sourires d'une nuit d'été : Desirée chante à deux reprises. Mais chez Bergman comme chez Sondheim, la lune d'été sourit bien trois fois.

Putting it together (DVD)

Putting it together est une revue consacrée aux chansons de Stephen Sondheim. Elle a été créée en 1993 à Broadway. Elle met en scène les états d'âmes de deux couples, dont l'un a quelques heures de vol, et un "commentateur". A l'époque, cette production a marqué le grand retour sur Broadway de Julie Andrews, après 30 années d'absence. En 1999, le show a été repris à l'Ethel Barrymore Theatre, avec un cast béton : George Hearn, John Barrowman et Bronson Pichot côté masculin et rien moins que Carol Burnett et Ruthie Henshall côté féminin. La version de 1993 a été éditée en CD, celle de 1999 l'a été en DVD, dans une version assez raccourcie. La comparaison entre les deux vaut surtout pour le match fictif Andrews / Burnett. The Ladies who lunch, qui figure dans le livret avait dû être retiré du spectacle car l'indécrottable accent british de Dame Julie ne collait pas vraiment avec le bagoût new-yorkais nécessaire à l'interprétation de ce classique extrait de Company, rendu célèbre par Elaine Stritch. En revanche, le même phrasé pincé fait des merveilles sur une chanson comme My Husband, the Pig (coupé de A Little Night Music) ou sur Getting Married Today (Company), sur lequel Burnett rame quelque peu (mais quelle comédienne !). En revanche, la voix profonde et la diction de l'actrice/animatrice de télévision se fait plus souvent émouvante, comme sur Everyday A Little Death (A Little Night Music) ou Like It Was (Merrily, we roll along). Dans la version de 1999, on retient aussi l'interprétation de George Hearn, dont la voix a un peu vieilli, mais qui, du coup, colle bien à l'intrigue. John Barrowman, lui, comme toujours, fait un peu trop propre sur lui pour être totalement convaincant dans le registre sondheimien.
L'un dans l'autre, Putting it Together est une revue efficace, qui balaie habilement le répertoire de Dieu Stephen Sondheim, mais qui, de fait, lui fait perdre une partie de sa force. Toutes ces chansons n'ont vraiment de sens que dans leur contexte. Unworthy of your love (Assassins), par exemple, est une ballade destinée à être chantée par l'homme qui a tenté d'assassiner Ronald Reagan pour impressionner Jodie Foster - dont il était un stalker acharné - et la femme qui voulait tuer Gerald Ford - pour plaire à Charles Manson, son gourou. Chantée par Barrowman et Henshall, qui remplacent les références à Jodie et "Charlie" par "Darling", elle perd toute sa saveur et n'est plus qu'une ballade mièvre. Que cela ne vous empêche pas néanmoins d'acquérir le CD et le DVD ou de regarder les nombreux extraits présents sur Youtube. Car, grâce à ses interprètes, le show reste malgré tout diablement efficace.

Rent

Je ne vais pas revenir dans cette note sur l'adaptation cinématographique de Rent. Je l'ai déjà écrit, je ne la trouve ni bonne, ni mauvaise. Je souhaitais juste évoquer les bonus du Dvd, qui vient tout juste de sortir. On y trouve des scènes coupées, parmi lesquelles la séquence/chanson Goodbye love, que j'aimais beaucoup sur le disque et quelques scènes parlées. On y trouve surtout un très long documentaire sur l'histoire de Rent ou plutôt un documentaire sur Jonathan Larson, l'auteur de la musique, des paroles et du livret de la comédie musicale, mort la veille de la première Off-Broadway. Larson y est dépeint comme un personnage extrêmement attachant, plein de vie, qui a écrit seul dans son appartement pourri ("De tous nos amis, il est celui qui avait l'appartement le plus merdique", confie une de ses proches) pendant des années et des années avant que l'un de ses shows soient montés, vivotant grâce à un job de serveur. Il voulait révolutionner la comédie musicale, écrire le Hair des années 90. Il y est parvenu, mais il n'aura pas eu le temps de récolter lui-même les fruits de son travail. Le documentaire s'attarde d'ailleurs sur le fait que sa mort a été un facteur décisif dans la carrière de Rent, en le transformant immédiatement en mythe. On (re)voit avec plaisir les images du cast original, en particulier pour la beauté des Taye Diggs, Jesse Martin, Wilson Heredia ou Adam Pascal. Tous racontent comment la mort de Larson les a soudés et comment ils personnifiaient tous plus ou moins cette "vie bohème" célébrée par la comédie musicale. La dernière partie du documentaire consacrée à la genèse du film est peu intéressante. Chris Columbus, le réalisateur n'a pas grand chose à dire. L'intérêt du doc réside surtout dans l'illustration du parcours du combattant qu'a dû mener Larson pour voir monter son projet. Plus de 7 ans de boulot, apprendre à travailler en équipe, faire des compromis, couper et réécrire de nouvelles chansons pendant des mois et des mois, convaincre des investisseurs, etc. Larson a mis énormément de lui dans Rent. Ce documentaire en offre une illustration saisissante.

Annie

Un énorme gâchis. Je ne sais pas si on aurait pu faire un film intéressant à partir de la comédie musicale Annie, elle même inspirée de la bande dessinée Little Orphan Annie. Mais engager John Huston à la réalisation, Carol Burnett, Bernadette Peters et Ann Reinking dans trois des principaux rôles et faire une telle daube, c'est un crime contre l'art. Annie, c'est l'histoire d'une jeune orpheline tête à claques qui vit dans l'orphelinat dirigée par une alcoolo tyrannique du nom de Miss Hannigan (Carol Burnett). Un jour, elle est placée pour une semaine chez un milliardaire dur à cuire, qui finit évidemment par tomber sous le charme de la petite morveuse. Mais Annie pense que ses vrais parents vont revenir la chercher un jour et le milliardaire, qui avait décidé de la garder, promet alors de l'aider. C'est alors que Miss Hannigan, son loser de frère et sa compagne (Tim Curry et Bernadette Peters) pensent à une arnaque : se faire passer pour les parents d'Annie pour pouvoir toucher la récompense, car récompense il y a. Bref, le tout est ultra-niais, un monument de guimauve, exemple des pires travers des films américains. Les personnages caricaturaux sont parfois à la limite du raciste - pour les gardes du corps indien et chinois, on assiste à un déluge continu de bons sentiments, des numéros dansés d'une naïveté confondante. Engager la compagne de Bob Fosse (Reinking) pour lui faire danser des pas aussi minables ! Fosse et elle ont dû bien se marrer. Le célèbre thème du film, Tomorrow, est chanté par Annie, le président Roosevelt  et sa femme lors d'une discussion sur le lancement du New Deal... Au delà du consternant. Il y a bien quelques moments vaguement camp lorsque Carol Burnett et Bernadette Peters se crêpent le chignon, mais c'est bien tout ce qu'il y a à sauver. J'espère que Huston, Burnett, Peters & co ont bien été payés et que cela les a aidés de quelque manière que ce soit dans leur brillante carrière. Il n'y a que cela qui pourrait me consoler des les avoir vus se compromettre ainsi.

All that jazz

Un film étrange que ce All that Jazz, de Bob Fosse, palme d'or à Cannes en 1979. Shirley McLaine s'attribue généralement la maternité de l'idée du film "Lorsque Bob a fait une crise cardiaque, je suis allée le voir et je lui ai dit  "tu devrais faire une comédie musicale sur ta propre mort"." Fosse a toujours prétendu ne pas s'en souvenir. Il n'empêche, Shirley McLaine résume bien le film. Fosse met en scène la mort de son alter-ego, Joe Gideon, metteur en scène et chorégraphe de génie, impossible avec lui-même et les autres. La mort est représentée tout le long du film par les apparitions angéliques d'une jeune Jessica Lange. Fosse entraîne avec lui-même tout son entourage. La femme de Gideon, dont il est séparé, veut prouver qu'à 50 ans elle peut toujours jouer une gamine de 24 ans dans une comédie musicale. La vraie femme de Fosse, Gwen Verdon a dû apprécier, elle qui a interprété Roxie Hart, censée avoir la vingtaine, dans Chicago en 1975... La maîtresse de Joe Gideon est jouée par Ann Reinking, maîtresse de Fosse à la ville... Et j'en passe et des meilleures. Les moments les plus réussis du film sont certainement les moments dansés, comme la séquence Take Off with us couplée avec "Air-Rotica", tirée d'une comédie musicale que Gideon met en scène. Les moments dansés d'Ann Reinking sont également exceptionnels. Roy Scheider n'est pas en reste. Dans le rôle de Gideon/Fosse il est juste excellent.Pour le reste, il s'agit du film le plus mégalo d'un metteur en scène-chorégraphe-cinéaste de génie. Avec les défauts et les qualités que cela implique.

Broadway : The Golden age (by the the legends who were there)

Voilà un documentaire intéressant. Un homme, le réalisateur Rick McKay, se penche sur l'un des aspects les plus fascinants de la culture américaine, la comédie musicale : Broadway. En se faisant sa propre culture sur le sujet, lorsqu'il était jeune, Rick McKay, s'est vite rendu comte que tout le monde répétait ce qui semblait être une évidence : Broadway a connu un âge d'or, avec des actrices comme Ethel Merman, Angela Lansbury, Kim Stanley, des acteurs comme Marlon Brando, Ben Gazzara, Jerry Orbach ou des danseurs comme Bob Fosse, Gwen Verdon, les Nicholas Brothers, etc. Cet âge d'or s'est soi-disant achevé avec l'avènement de musicals plus "rock" comme Hair et surtout avec une nouvelle invasion britannique, par le biais de Lloyd Weber et Tim Rice, de leurs Jesus Christ Superstar ou Cats, de producteurs comme Cameron McIntosh. Rick McKay a fini par se poser une question : cet âge d'or a-t-il vraiment existé ? Chaque époque n'est-elle pas destinée à devenir un âge d'or à la génération suivante ? Armé d'une simple DV, il est allé interviewé ni plus ni moins que les plus grandes stars (encore vivantes) de ce supposé "golden age". C'est le plus impressionnant dans ce documentaire : elles sont toutes là, à l'exception notable de Julie Andrews, mais qui a l'excuse d'avoir eu des ennuis de santé à l'époque. Pas toujours en bon état, rarement à leur avantage (éclairage sommaire, image très brute), mais à peu près tout ce que Broadway a compté de grande star des années 40, 50 et début 60 qui tient encore assis devant une caméra (les interviews ont eu lieu à la fin des années 90) est là. Tous et toutes décrivent une vie à peu près similaire (où est-ce la magie du montage ??) : précarité, vie pratiquement communautaire (ils citent tous le même bar et le même restaurant), coût très peu élevé des spectacles. Lorsqu'il s'agit de citer leur plus grand influence théâtrale, ils et elles sont unanimes : c'est Laurette Taylor, dont l'auteur, il le reconnaît lui-même, n'avait jamais entendu parler avant de faire son film. Laurette Taylor est une actrice de la première moitié du XXè siècle, morte à la fin des années 40, réputée pour son alcoolisme et son jeu extraordinaire. LE rôle qui a marqué les témoins du film est celui qu'elle tenait dans The glass menagerie, de Tennesse Williams. Il n'existe que très peu de documents filmés d'elle, à part quelques muets, il n'y a que des essais pour Hollywood qui n'ont mené à rien. Ces essais, assez impressionnants, sont dans le film. Toutes et tous se rappellent aussi avec émotion les débuts fulgurants et la beauté sauvage de Marlon Brandon (qui n'est pas interviewé, en revanche, alors qu'il était toujours vivant lors du tournage, mais qui est remercié dans les crédits). La question centrale du film : "était-ce un âge d'or ?" est bien évidemment largement explorée. Pour beaucoup la réponse est positive. Pour certaines comme Angela Lansbury, il est définitivement révolu. D'autres se souviennent qu'à leurs débuts dans les années 50, on disait déjà que Broadway est fini. Tous soulignent en tout cas le prix exhorbitant des productions d'aujourd'hui, avec comme exemple le plus extravagant la fameuse place à 480 dollars pour The Producers, de Mel Brooks, avec Nathan Lane et Matthew Broderick à la fin des années 90. Cette surenchère dans les budgets serait en grande partie responsable selon eux de l'évolution des musicals. Certains s'en prennent au micros, qui tuent l'esprit de la comédie musicale.  D'autres aux moyens gigantesques, comme cet hélicoptère qui se pose sur la scène dans Miss Saigon, qui ne laissent plus aucun espace aux acteurs. Le documentaire ne présente malheureusement que des bribes de performances, souvent parce que ces performances n'ont pas été enregistrées.
D'habitude, je ne m'intéresse guère aux bonus DVD, mais dans ce cas précis, ils valent très largement le détour. Une fin alternative est proposée, avec des acteurs de la génération suivante qui évoquent ce qu'est devenu Broadway. Cette fin a été abandonnée car le réalisateur travaille actuellement à un autre film, justement intitulé Broadway : The next generation, dont le DVD nous offre un petit aperçu (de 35 minutes quand même), avec Patti LuPone, Betty Buckley et bien d'autres. Autre trésor, cette leçon de danse par Bob Fosse et Gwen Verdon, sur le titre Whatever Lola Wants, tiré de Damn Yankees. Plus anecdotique, une vingtaine de minutes de reportage sur les premières du film (qui a ensuite été largement récompensé) à Broadway et Hollywood (Fay Wray, la première victime de King Kong, en chaise roulante, est même de la partie), avec tout le cast, venu récolter les dernières bribes d'une gloire bientôt passée.
Le film, au vu des commentaires que j'ai lu ou entendu, me semble un poil surestimé. Mais il réssucite pendant quelques dizaines de minutes des performers d'une qualité exceptionnelle qui risquent de tomber dans l'oubli et en cela, il est essentiel.

• Le site : http://www.broadwaythemovie.com
• Broadway, the golden age, by the legends who were there (Amazon)

 

Sunday in the park with George

Sunday in the park with George est une comédie musicale de Stephen Sondheim (musique, paroles) et James Lapine (livret, direction). Créée en 1984, elle fait suite au désastre financier de Merrily, we roll along. Dans les rôles principaux, Mandy Patinkin et Bernadette Peters. Le «George» du titre, c'est Georges Seurat, le peintre pointilliste. Le «Sunday», c'est Un dimanche après-midi sur l'île de la Grande Jatte, le chef d'œuvre de Seurat. Le musical est en deux actes. Le premier montre Seurat, le dimanche, sur l'île de la Grande Jatte, en train de concevoir son futur tableau. On y voit également Dot, modèle et maîtresse de Seurat, incarnée par Bernadette Peters. Dot aimerait que George la laisse rentrer dans sa vie, mais celui-ci n'est préoccupé que par son art. Dot le quitte pour un boulanger et gagne les Etats-Unis, alors qu'elle vient juste d'accoucher de l'enfant du peintre. Le deuxième acte met en scène un autre George, arrière petit-fils de Seurat et Dot, et artiste névrosé. C'est finalement son voyage-pélerinage sur l'île de la Grande Jatte, ainsi qu'une apparition de Dot, qui lui permettront de dépasser ses blocages dans sa vie artistique et personnelle. Dans les rôles principaux, Mandy Patinkin et Bernadette Peters sont tout simplement rayonnants. J'avais de grosses réserves à propos de Patinkin après avoir écouté le CD, à cause de sa voix. Le fait de le voir à l'écran efface toute impression désagréable, si ce n'est lors d'une très agaçante chanson où il imite des chiens. Pour lui, Sondheim a créé une partition qui évoque justement, dans le chant, le pointillisme. Patinkin est quoi qu'il en soit lumineux, tout particulièrement pendant le tour de force de Putting it together, dans le 2ème acte. Bernadette Peters est au sommet de son art, tant pour son jeu d'actrice que pour son chant. Egalement dans le deuxième acte, Sondheim lui a confié le très poignant Children and art. Peters, incarnant la fille de Dot, alors dans sa 98ème année, explique à son petit-fils quelle genre de femme était Dot. Les deux actes sont assez déséquilibrés. Le premier expose une partition complexe, aride, même parfois. Le second, plus court, privilégie l'émotion ; les chansons y sont plus abordables. Le tout forme en tout cas une comédie musicale exceptionnelle. Lapine et Sondheim sont à l'origine en 1992, d'une autre comédie musicale «à costumes», Into The Woods, également avec Bernadette Peters.

• Sunday in the Park with George (DVD)
• Children and art, ci-dessous, par Bernadette Peters (avec Mandy Patinkin)

West Side Story

Dieu sait pourquoi, je n'étais jamais parvenu à voir West Side Story en entier. À chaque fois, j'avais été interrompu en cours de visionnage et je n'avais pas repris. Cette fois-ci fut la bonne. Je ne vais pas en faire des tonnes sur le fait que c'est un bon film. Tout le monde le sait et d'autres l'ont sans doute très bien argumenté ailleurs pour que je n'aie guère besoin de rajouter ma petite appréciation. Quoi que l'on puisse penser de cette adaptation filmée de la comédie musicale créée par Jerome Robbins, Arthur Laurents, Leonard Bernstein et Stephen Sondheim, elle montre parfaitement pourquoi une adaptation comme celle de Gypsy est ratée. Dans une transposition à l'écran, on ne peut pas se contenter de filmer platement les scènes du musical original. Dans West side story, il y a des tonnes de trouvailles visuelles : le générique, la scène de bal, les mises en scènes des chorégraphies. On peut contester les choix esthétiques de Robert Wise (décédé récemment) et Jerome Robbins, qui dirigeaient le film, mais au moins ils ont fait des choix, ils ont tenté des choses. Le réalisateur de Gypsy, lui, n'a fait qu'illustrer paresseusement. Ni dans l'un ni dans l'autre, en revanche, je ne suis fan de Natalie Wood. Question de convenance personnelle, sans doute.

• West Side Story